Alex de la Iglesia escapa de los monstruos ficticios y de la exhibición de lo visualmente asqueroso y repugnante para adentrarse en una pesadilla ambientada en el mundo real, con sus monstruos reales y sus conductas repulsivas. Cuatro personajes en un coche compartido es lo necesario para poner en marcha un mecanismo que pretende llevarlos por un camino de verdad, de descubrimiento y de realidad. Sin embargo, como en toda película de este director, el proceso nunca es sencillo. Como acostumbra Alex de la Iglesia, la historia comienza como un plácido y cotidiano sueño que poco a poco va escalando hasta convertirse en una pesadilla donde surgen sus característicos giros y planos de cámara, no tan caóticos y asfixiantes como en sus anteriores películas, usando planos no demasiados cerrados, sino más bien simpáticos con el espectador debido al carácter cómico de la cinta. De esta manera, va creando una historia en la que lo blanco y lo negro dan lugar a grises que se entremezclan y forman

Su misterioso póster y su inspirador título puede atraer el interés de aquella persona que se encuentra buscando qué ver en una noche aburrida. Si ese contexto sin expectativas fuera el caso del espectador de esta cinta, seguramente disfrute de su peculiar historia y de los sorprendentes recursos visuales (de naturaleza cósmica, con un agradable uso de la purpurina en alguno de ellos) que plantea en ciertos momentos selectos y que se convierten en los instantes en que la película brilla con más intensidad, de manera que durante su desarrollo saltamos de la irrealidad de dichas escenas a la realidad dudosa e inquieta ante todo lo que nos rodea. A lo largo de la película se muestran ciertos mensajes que instan a su reflexión tanto por parte del espectador paranoico como del que mantiene los pies en la Tierra. Todo estos mensajes propios de teorías conspiranoicas se mezclan entre sí de una forma peculiar y que no termina de cuajar para formar la película que aquí se nos presenta. No es mi

Dos amigas fanáticas de la escalada deciden ascender a una de las torres de comunicaciones más altas del país. El propio título tanto en inglés, "Fall" (traducido como "caída"), como en español, "Vértigo", ya adelantan el tipo de película que nos encontraremos: una cinta de escalada sobre las alturas tratada desde el terror, aunque la escalada no es literalmente como tal, pues no hay rocas ni montañas, únicamente un enorme mástil. Este tratamiento terrorífico tiene dos vertientes: sustos repentinos (o "jump scares") y miedo a las alturas o sensación de vértigo, consiguiendo ambas su cometido en el espectador asustadizo. Sin embargo, posiblemente debido al poco presupuesto, las escenas que hacen uso de efectos visuales generados por ordenador (CGI) se pueden identificar con más o menos claridad, aunque para nada impide el disfrute y la inmersión en la pesadilla presentada. Las bajas expectativas hacia ella pueden ayudar a disfrutar más de su propu

La fórmula de terror parece repetirse insaciablemente. Parecía que habíamos llegado a nuevos horizontes, pero solo eran pequeños hitos que muchos guionistas y directores han usado para valerse de ellos con el fin de hacer más de lo mismo. En un primer momento, Smile  (Parker Finn, 2022)  puede considerarse una película de terror aburrida y típica con demasiados sustos repentinos (o "jump scares") como para considerarla interesante, pero si intentamos ver más allá de ese guion lento y sin esencia aparente, podemos llegar a encontrar una propuesta narrativa bastante curiosa pero mal ejecutada. It Follows (David Robert Mitchell, 2014) y Smile comparten base, pero ambas tienen un punto diferenciador bastante notable: la primera fue original en su momento y revolucionó tanto el género como a sus fans, mientras que la segunda se basa en la idea de la primera, añadiendo los factores "sonrisa", "duda" y "sorpresa" para crear una historia basada en una d

Si la primera película de Halloween (1978) puso las bases de muchas películas de terror actual, Halloween II introduce nuevos recursos visuales ejecutados de manera impecable en el contexto lento y terrorífico que envuelve a la película. La historia se sitúa justo después del final de la anterior y continúa narrando lo ocurrido en la ciudad de Haddonfield en la catastrófica noche de Halloween de 1978. La acción se concentra en un único lugar en gran parte de la cinta, a la vez que el terror sacude al pueblo entero que permanece en su mayoría ajeno a los sucesos ocurridos en su interior. Al igual que en su precuela, el asesino conocido como Michael Myers es recreado como un monstruo casi sobrenatural y, como tal, su presencia no es tan directa y, debido a ello, cada vez que aparece causa una gran impresión en el espectador. Muchas de estas apariciones ocurren utilizando esos recursos visuales anteriormente mencionados que pueden ser la causa de muchas pesadillas y que han constituido

Joyce Carol Oates publicó en el año 2000 su libro "Blonde", en el que, tras una exhaustiva documentación e investigación, cuenta la vida de Marilyn Monroe valiéndose de la ficción para crear una historia. Su primera adaptación vino en forma de miniserie en 2001 dirigida por la directora Joyce Chopra. Su segunda y, de momento, última adaptación viene de la mano de Andrew Dominik, director de Chopper (2000), T he Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007) y Killing Them Softly (2012). Disponemos así de dos versiones distintas de la novela y de su protagonista femenina en las que la dirección ha podido influir en el desarrollo y visión de sus personajes y de los hechos que los rodearon. Blonde (2022) se centra en la posible vida psicológica que pudo vivir Marilyn. Debido a esto, la película no trata de contextualizar al máximo detalle cada situación, sino que ofrece los elementos necesarios para sumergirnos en su caos interior, tomando decisiones arriesgada

Sección del blog en la que doy mi opinión sobre algunas escenas, personajes o situaciones de películas y/o que tengan que ver con el universo cinematográfico. Por supuesto estas entradas contienen  SPOILERS   (información que puede destripar una película en el caso de que no la hayas visto) así que sugiero haber visto la película antes de leer nada de esta sección, la cual puede incluir información sobre el final o detalles importantes que serían convenientes no conocer antes de verla.

Lo que el viento se llevó  (Victor Fleming, 1939) es considerada para muchas personas y usuarios de internet la mejor película de la historia. Sin embargo, vista después de tantos años, es difícil ofrecerle esa condecoración porque tanto los temas como el cine y la propia sociedad han evolucionado hacia una visión más igualitaria y global. Es curioso como muchas películas antiguas muestran a la mujer como una persona fuerte, poderosa, inteligente e independiente y aun así los hombres en pantalla se dedican a ordenarle labores y a minusvalorar sus capacidades físicas e intelectuales. A ello se suma la autoconvicción de la mujer en la película de que obviamente tiene que dedicarse a esas aficiones consideradas femeninas y a realizar las labores del hogar. Lo que el viento se llevó parece intentar mostrar un cambio en esa concepción que se tenía de la mujer, pero lo dibuja de manera tan suave que ese mensaje termina por borrarse y perderse. En sus casi cuatro horas de duración, la protago

Esta película se ha estrenado con el aparente único fin de llamar a la gente a las salas de cine y es que la experiencia en ellas es muy distinta a la que se puede tener en el salón de una casa. Estamos asistiendo a un espectáculo de música, color, edición, ritmo y talento actoral de unas proporciones sublimes que compone una cinta que cuenta las subidas, bajadas, comienzos y finales del mundialmente conocido Elvis Presley y de su entorno depredador, perjudicial y lucrativo, así como del compasivo, benévolo e inconformista. Es necesario destacar que esta cinta no se considera musical, aunque el uso del ritmo y de la música se acerca bastante a este género, pues el espectador, desde el momento en que se sienta en la butaca, se haya en un viaje musicalmente histórico que no aterriza hasta el último tercio de la película, en el que el ritmo se ralentiza por razones obvias. La historia es contada por el general Tom Parker, el mánager de Elvis Presley y supuesto villano según la prensa. La

La cocreadora de la serie de HBO Westworld , Lisa Joy, dirige, produce y escribe esta cinta ubicada también en un futuro distópico en el que existen máquinas que nos permiten acceder a nuestros recuerdos y revivirlos en primera persona. Una idea interesante que es el eje de una historia romántica cercana al género policiaco y de misterio, pero que se queda a medio gas entre ambos, alzándose el amor como el tema principal y la razón de ser y actuar de los personajes. La película va mejorando desde su aburrido, lento y poco interesante principio hasta su curioso y algo sorprendente final en el que todo lo presentado confluye sin esperarlo de manera mágica haciendo creer al espectador que el desarrollo de la trama sigue un guion sólido debido a su inesperada y dramática conclusión, causando que se olvide todo lo anterior y todas aquellas situaciones carentes de sentido y sin dar las explicaciones necesarias para ir de un punto A a un punto B. Por un lado, esto causa la desorientación de l

Del colorido mundo musical a una dramática historia personal. Damien Chazelle cambia su registro, sin perder de vista algunos de sus toques musicales, en esta película que narra la vida de Neil Armstrong desde que es seleccionado por la NASA hasta el primer alunizaje. Esta cinta no solo evoca levemente el rasgo musical de su anterior película, sino que también evoca, y de manera más exagerada, la lentitud de su narrativa, pres ente ya en La La Land   (2016) y mejor ejecutada en aquella que en esta última. Desde el principio, la historia avanza con un ritmo digno de un canto de nana hasta que alcanza el principal acto dramático que vertebrará toda la cinta. Esta lentitud se encuentra en consonancia con la depresión por la que viaja el propio protagonista al mismo tiempo que debe enfrentarse a su vida y responsabilidad familiar y a los peligros y consecuencias de su trabajo. Además de centrarse en la vida personal de Neil, la película también cuenta todo lo que ocurrió antes de ese prim

Las nuevas generaciones pueden conocer a Wes Craven por ser el director de  A Nightmare on Elm Street  (1984) pero, principalmente, es posible que lo conozcan por su famosa saga Scream , cuyo espíritu ha vuelto este año con una quinta entrega que actúa como homenaje a Wes y como más diversión para los fanáticos de la saga. Este espíritu que Radio Silence (el grupo de directores de Scream 5 ) ha conseguido revivir se puede observar a la perfección en esta cinta de 2005, titulada Vuelo Nocturno en España. Esta película contiene toda la esencia de Scream a través de una historia en la que desaparece la mítica cara de Ghostface (la máscara que utiliza el asesino en dicha saga), aunque podría haber aparecido perfectamente, pues la cinta comparte gran cantidad de similitudes con la saga que cualquier fan de este director y de Scream disfrutará. En concreto, la película es un thriller protagonizado por Rachel McAdams y Cillian Murphy, ambos con dos papeles muy distintos y muy difíciles de e

Si bien Bruce Springsteen no es muy conocido por los jóvenes de hoy en día, sí es cierto que supuso un antes y un después en la vida de muchas personas por sus familiares letras y por su nostálgica música. El Jefe, como empezaron a llamarlo sus compañeros de banda por ejercer de líder del grupo, se convirtió en toda una estrella americana, pero se mantuvo fiel a sus orígenes y a los valores que él mismo había construido. Lo daba todo por el público y se mostraba cercano a sus fans y no por mera fachada. Él conocía de primera mano lo que era una difícil vida obrera y sus canciones transmitían ese sentimiento de pertenencia a una sociedad disconforme con su estilo de vida, que quiere huir y construir su propio camino a pesar de las consecuencias. Ese sentimiento se compensaba con el amor, que era su balanza y su luz en tiempos difíciles. No es que haya buscado mucha información sobre Bruce, pero por sus canciones puedo extraer las conclusiones arriba descritas, que perfectamente pueden e

El terror con mensaje social sigue estando muy presente en el cine actual y se agradece el intento que muchas películas hacen en mostrar las zonas más oscuras de la vida y la sociedad a través de largometrajes de terror que logran helarte la sangre. Sin emba rgo, Antlers (Scott Cooper, 2021)  únicamente roza el mensaje que parece querer transmitir, sin llegar a profundizar demasiado en ningún aspecto, pues dicho mensaje se pierde al insertar, de manera inconexa, escenas que muestran a la criatura villana con escenas que tratan cuestiones relacionadas con el abuso, la pobreza, la crisis climática y la drogadicción, entre otras, y con la consecuencia de todas ellas en los niños y niñas que se ven envueltos en situaciones vinculadas con esas cuestiones. Por esta razón, la cinta no logra fusionar la temática social con la historia terrorífica que cuenta, surgiendo un intento de obra reflexiva que nunca llega a su punto álgido. Aun así, el ambiente aterrador que crea la criatura y los momen

La comedia es el plato fuerte del cine español junto al género dramático, aunque en los últimos años la industria se está transformando, dotando de mayor calidad a nuestros largometrajes y apostando por nuevos modos narrativos. Ese podría ser el caso de Primos (Daniel Sánchez Arévalo, 2011) , una comedia española inspirada en las películas americanas y que ahonda en diferentes formas de amar y ser amado de la mano de tres primos que vuelven al pueblo donde crecieron juntos. El tema central de la cinta no solo se basa en el amor de pareja y sexual, sino también en el amor de los amigos, de la familia y de quiénes consideras familia, así como en el amor intergeneracional, el amor tóxico y el amor inexplicable, creando así una "feel good movie" (película para sentirse bien) que permite disfrutar de ella y de los conflictos a los que se enfrentan sus personajes, así como reflexionar sobre cuestiones tan humanas como las ya mencionadas: el amor, el cariño y la familia. Una pelícu

El género de terror sobrenatural contiene un subgénero que la nueva película de Scream (Wes Craven, 2022) considera "terror elevado", es decir, una historia de terror en cuya base se tratan temas profundos, sociales o emocionales. The Empty Man se acerca bastante a este tipo de terror, pero se encuentra en el borde entre una película de creepypastas, como Slender Man (Sylvain White, 2018), y una película con un mensaje interesante objeto de reflexión. El inicio de la película ya es original, pues comienza con una especie de cortometraje de 20 minutos que da pie a toda la historia. A partir de ahí, la película mantiene la tensión y la sorpresa hasta el tercer acto y su final, en donde dejan abiertos muchos cabos sueltos y resuelven la trama con una explicación demasiado poco justificada para haber visto una película de más de dos horas de duración. Sin embargo, esta zancadilla última que la propia película se hace a si misma no es motivo suficiente para estropear del todo el

Hace unos años intenté buscar respuestas al éxito de Marvel y al fracaso de DC en el cine . Ahora Marvel se encuentra en un punto muy distinto a cuando se estrenaban películas en su época dorada, es decir, películas de la saga del infinito, anteriores a Avengers: Endgame (2019), incluyéndola. Ese gran final de etapa supuso  un reinicio en la expectación y motivación de los espectadores, quienes dudaban que Marvel pudiera alcanzar el nivel y calidad de ese final y continuar como si nada hubiera pasado. En efecto, no pudieron alcanzarlo ni tampoco superarlo. Tras la saga del infinito, la forma de concebir historias en el UCM parece ser vaga y perezosa y para ello no hay mejor ejemplo que todas y cada una de las series, que siguen un mismo patrón y que no ofrecen más que alguna pequeña información para que el fan se sienta reconfortado. Sin embargo, solo funcionan en ese aspecto, en la cabeza del fan comiquero y del fan que únicamente ve películas de Marvel. Esta fue la primera decepción

Desde Avengers Endgame, sin contar las últimas de Spider-man, las decepciones ante las nuevas producciones de Marvel se siguen una tras otra. Desde las series hasta las películas, como Black Widow  (Cate Shortland, 2021) o Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos  (Destin Daniel Cretton, 2021) , todas repiten la misma fórmula que empezó a utilizarse cuando el UCM surgió. Sin embargo, después de tal cantidad de películas creadas bajo dicho patrón, los espectadores buscamos una reinvención: algo más de diversidad en un género de superhéroes que no parece evolucionar. Esto ha sido así hasta la llegada de Eternals (Chloé Zhao, 2021) , una de las mejores películas de esta nueva fase de Marvel y, posiblemente, de las que mejor cuida sus elementos narrativos y visuales de todo el UCM. Esta cinta supone un aire fresco ante la gran cantidad de películas de Marvel que parecen ser duplicados de otras películas de su mismo universo. Para empezar, la cinta nos presenta a más de diez nuevos pers

Doctor Strange in the Multiverse of Madness  es la película más esperada desde Avengers: Endgame (2019) porque su título parecía augurar una épica exploración del multiverso y situaciones terroríficas, locas y sorprendentes. Sin embargo, esas expectativas tan elevadas han podido perjudicar el disfrute de muchos seguidores al no llegar a satisfacer los deseos de muchos de ellos. Aun así, la cinta logra transmitir esa locura que promete con una trama simple, ofreciendo alguna que otra sorpresa, pero con un gran hándicap: su nefasto guion, que no ahonda en sus temas principales (volviendo a la superficialidad de su tratamiento, como en otras series y películas) y con ciertos momentos absurdos e ilógicos que instan al espectador a gritarle a la pantalla, ya sea para que cierto personaje haga la acción más lógica que puede hacer en ese momento o para reírse en la cara de las estupideces que están viendo. La locura de su título no solo alude a la variedad de multiversos existentes y al prop

Algunas de las últimas películas supuestamente dirigidas para toda la familia parecen haber omitido la esencia del género, convirtiéndose en pesadas historias infantilizadas que dejan de lado al público adulto, como es el caso de Dolittle (Stephen Gaghan, 2020), Enola Holmes (Harry Bradbeer, 2020), The Christmas Chronicles: Part Two ( Chris Columbus, 2020) o las dos entregas de Maleficent (Robert Stromberg, 2014; Joachim Rønning, 2019). Sin embargo, sobre ese lodazal se extiende un puente de muy buenas, e incluso sobresalientes, películas familiares que cumplen con su propósito de entretener a la familia al completo aportando también, en algunos casos, aprendizajes de gran valor. En ese último grupo ubicamos Jungle Cruise, a pesar de no estar no recomendada para menores de 12 años. Una película de acción y aventuras ambientada en 1916 y protagonizada por un trío fabuloso (Dwayne Johnson, Emily Blunt y Jack Whitehall) cuya química y capacidad interpretativa logran el disfrute de ca

Las películas de época suelen despertar en mi un leve rechazo similar al que me producen las películas ambientadas en la Edad Media debido al ritmo pausado que las caracteriza, a los tópicos ya sobrexplotados en la industria y a la poca originalidad de sus aportaciones. En cambio, The Favourite destaca por ir a contracorriente de la grandiosidad que este tipo de películas se dan a sí mismas mostrando una alta sociedad infame. En este sentido, la cinta se trata de una obra maestra visual y narrativa que muestra la relación entre tres mujeres muy distintas que disponen de unas cualidades, unas aspiraciones y un pasado que dejan al espectador a merced del juego de ajedrez que se representa en pantalla. Una historia hilada al más mínimo detalle que muestra a la realeza desde su perspectiva más cínica, al contrario que muchas películas y series de época. Dicho cinismo será la base sobre la que se sustentará la búsqueda del propio beneficio en cada uno de los personajes, dejando consecuenci

En estos últimos años el cine español está ofreciendo varias producciones con temáticas, ambientes y mensajes que, para transmitirlos con la fuerza necesaria, únicamente podrían hacerse en el seno de nuestra cultura. Ese es el caso de una obra maestra de 2021 como es el El Buen Patrón  (Fernando León de Aranoa, 2021) y de la película que nos ocupa: Las Niñas . Esta cinta plantea un retrato del primer paso de la inocencia a la realidad más cercana, y quizá peligrosa, y todo lo que ello conlleva, concretándolo en la vida de una niña y su madre soltera en pleno 1992, año de los Juegos Olímpicos de Barcelona y la Exposición Universal de Sevilla. La historia es contada de manera lenta y casi insustancial de no ser por la gravedad de los temas y situaciones que trata para unos años de vida en los que las experiencias vividas son clave en la formación de nuestra personalidad. Esa casi insustancialidad viene dada por la aparente simpleza de sus escenas que parecen formar parte de un pausado bi