Cada película de Christopher Nolan es casi una obra maestra, sin embargo esta adaptación del poema mítico no ha llegado a tal descripción. La Odisea es una historia harta conocida que poco puede sorprender a quien está familiarizado con ella. La historia de Odiseo (llamado Ulises en otras traducciones) es una aventura apoteósica y maravillosa que juega con la espectacularidad de sus imágenes (tanto mentales en el libro como visuales en la pantalla) y cuyo motor emocional se encuentra en su héroe, Odiseo, quien realiza un viaje de vuelta a casa no sólo espacial sino también personal. Es ese segundo viaje, su aprendizaje y transformación, el que conecta emocionalmente al receptor (espectador, escritor u oyente) con la historia. Nolan muestra ese segundo viaje a través de los diálogos de sus personajes pero sin transmitir las emociones que experimenta y sufre Odiseo y su tripulación y, por tanto, sin que el espectador empatice con su viaje emocional, el cual se desvela en su tramo final m...

Guillermo del Toro es conocido por sus hermosos cuentos oscuros que envuelven una cálida historia personal que resuena en cada uno de nosotros. Esta vez se ha atrevido con un proyecto muy esperado por su fanatismo con esta obra: Frankenstein, basado en el libro de Mary Shelley. Esta película muestra un apartado técnico y visual espectacular y asombroso debido al acertado manejo de la cámara, usando planos y movimientos impactantes y grandiosos en varios momentos de la cinta, y también debido tanto al uso de los colores vivos como a la elección del atrezzo que decora cada escena y da forma a cada personaje, resonando su pasado y su ser a través de lo que vemos de ellos. Frankenstein es una obra harto conocida que no parecía poder ofrecer nada nuevo ni interesante. Sin embargo, esta cinta renueva el concepto de la obra original y consigue engancharte durante gran parte de su duración hasta su segunda mitad en la que la acción se ralentiza y parece incluso no avanzar. Por suerte, esta dec...

Conocemos a Mike Flanagan por su largo y sobresaliente recorrido en el cine de terror y suspense. Con esta nueva película no se desvincula del todo del género porque está basada en una historia corta de Stephen King (autor también conocido por su literatura de terror) pero la película no tiene nada que ver con ese género. De modo que nos encontramos con la primera película que no encaja con su género favorito y el resultado es brillante. Como siempre, es mejor entrar en una película sin saber nada o sabiendo lo menos posible, de modo que si te ha interesado ya, te recomiendo ir a verla y disfrutarla. Si te da igual todo esto o si ya la has visto, aquí seguimos. La película trata sobre la vida de Chuck, como su título indica, y desde el conocimiento del título ya juega con sus espectadores (y supongo que con los lectores en el caso del libro, que no he leído). La construcción narrativa de la historia es un acierto enorme porque nos permite plantearnos preguntas continuamente y nos hace ...

Después de varios años en los que sus trabajos más sobresalientes han sido documentales, como los de John Williams y Jim Henson, Ron Howard estrena este año una nueva película de ficción con un reparto de lo más variopinto que no cumple con las expectativas. La actuación de Ana de Armas es la que más destaca y lo hace porque su personaje tiene una profundidad interesante para jugar con él. Sydney Sweeney la sigue por detrás a pesar de mostrar una interpretación bastante parecida a lo que ya hemos visto de ella. Sin embargo, los demás personajes se notan apagados, en especial el de Daniel Brühl, que podría haber sido reemplazado por cualquier otro actor y no nos habríamos dado cuenta. Vanessa Kirby mantiene su labor actoral de no mostrar demasiado, causando que los personajes que suele interpretar estén faltos de brillo en su personalidad. En cuanto a la historia, está basada en hechos reales y consigue mantenerte intrigado por las relaciones que se dan entre los personajes. Lo más inte...

La anterior película de Celine Song, Past Lives (2023), es una película romántica preciosa que ya no sólo su guion sino la increíble fotografía te transporta a la emoción que mueve a su protagonista. En esta segunda película, continuamos con estos triángulos románticos pero enfocándose en la visión materialista que tiene la sociedad de todo aquello que nos rodea y nos afecta. Esa crítica a lo que el título se refiere es el tema principal más allá de las relaciones amorosas que se puedan mostrar en la cinta. Por encima de todo interesa preguntarse constantemente qué mueve cada relación y en dónde vemos el aspecto materialista en las escenas que nos presentan. Sin duda, es una película que alza la voz contra todas estas ideas que las redes sociales y la sociedad en general están lanzando constantemente y que afectan a nuestro entendimiento y a nuestra manera de ser y sentir tanto hacia fuera (hacia las demás personas) como hacia dentro (hacia nosotros mismos). Respecto a los tres protag...

Por cada festival que ha pasado, el nuevo trabajo de la directora francesa Coralie Fargeat ha causado un revuelo de opiniones y críticas positivas y sorprendentes en su gran mayoría. Una directora que ya nos asombró con Revenge (2017) y que ahora vuelve con otra cinta feminista y con una temática nunca antes tratada de manera tan directa a la vez que metafórica. Las protagonistas de esta película, Demi Moore y Margaret Qualley, nos inducen a un estado de ansiedad, agobio y malestar que va aumentando de manera constante mientras tratan temas relacionadas con el machismo de la sociedad actual (concretado en el mundo de la actuación), el edadismo (a la hora de tratar a otras personas y seleccionarlas para realizar ciertos trabajos), las adicciones (desde la visión de comprender la razón por la que son producidas), los estándares de belleza (los cuales sirven para reflexionar sobre su verdadera naturaleza y sobre si existe una lógica concreta respecto a ellos) y la venganza (entendida des...

Joker (2019) fue una película rompedora. Su mensaje sobre la salud mental va cobrando una temática social hasta que acaba por alcanzar una profunda e interesante reflexión política a la par que social. Al acabar, la audiencia interpreta estos mensajes y reflexiones y, en vez de mirar más allá, algunas personas defienden el mensaje conservador y nacionalista que aparentemente ofrece la cinta, sin pensar que el mensaje real (y no tan oculto) es todo lo contrario. Ante esta ola de seguidores de extrema derecha que ven en Joker una confirmación de que su ideología es más que correcta, Todd Phillips nos trae su secuela, una profundización en la mente enferma de su protagonista y en las consecuencias tanto de sus acciones e ideología como de las personas que lo alzan como referente. Un reflejo de la sociedad actual conservadora que acepta como líderes y como modelos ejemplares a personas que no deberían serlo, interpretando sus acciones de manera muy distinta a lo que de verdad son, alejándo...

François Truffaut es uno de los directores franceses más reconocidos a nivel mundial y uno de los representantes del movimiento de la nouvelle vague , distanciándose del cine comercial para tratar de una manera más personal y particular temas que conectan de una manera única con el espectador a través de un original estilo visual y narrativo. Esta película pertenece a una trilogía temática centrada en la infancia compuesta por Les Quatre Cents Coups (1959), L'Enfant sauvage (1970) y la película que nos ocupa,  L'Argent de poche (1976). Bien es cierto que la primera película de esta trilogía,  Les Quatre Cents Coups (1959), pertenece a otra pentalogía conectada por el personaje de Antoine Doiniel (alter ego de Truffaut), interpretado en todas ellas por Jean-Pierre Léaud, a la que le siguen Antoine et Collete (1962), Baisers volés (1968), Domicile conjugal (1970) y L'Amour en fuite (1979). El título de esta película, L'Argent de poche , podría traducirse como ...

Después de las monumentales The Greatest Story Ever Told (1965), Lawrence of Arabia (1952) y The Bridge of the River Kwai (1957), David Lean, que no Fincher ni Lynch, nos trajo otra épica historia, esta vez enmarcada en la Primera Guerra Mundial y teniendo como telón de fondo el Octubre Rojo, adornando sus temáticas más sobresalientes con un insípido romance añejo. Las contradicciones e injusticias de la guerra, sea cual sea el bando, constituye el tema más notable de este drama bélico que utiliza el romance como trama principal para conectar con las emociones del espectador y para reflexionar sobre los horrores no solo de la guerra, sino también de la sociedad y de la humanidad. Su extensa duración se torna fatigosa al centrarse demasiado en los sentimientos románticos de los protagonistas de manera innecesaria, pues a pesar de ello, solo llegan a interesar mínimamente. Esto se debe a la perfección con que trata la odiosa naturaleza de cualquier conflicto bélico, independientemente...

Un drama sutil enmascarado de nostalgia es lo que ofrece Aftersun , una de las mejores películas del pasado año y cuya única, y merecida, nominación a los Óscar nos ha extrañado a muchos, quienes esperábamos una mayor presencia en otras categorías como "mejor dirección", "mejor guion original", "mejor actriz protagonista" y "mejor película". Sin embargo, solo ha conseguido la nominación de "mejor actor protagonista" por el sublime trabajo de Paul Mescal ( The Lost Daughter , 2021; Normal People , 2020), pero no hay que olvidar la sorprendente revelación que supone Frankie Corio. Antes de continuar hablando de la película, recomendaría su visualización sin saber nada más, pues más que una simple historia, es una experiencia emocional muy inmersiva y personal que no necesita usar grandes tecnologías ni efectos especiales para ello, únicamente se vale de la capacidad creativa y decidida de su directora y guionista, Charlotte Wells. Su ritm...

El director de esta película, Noah Baumbach, es también el director de la aclamada A Marriage Story (2019), en la que las poderosas y titánicas interpretaciones de Adam Driver y Scarlett Johansson dan forma a un drama muy íntimo y personal como lo es un divorcio. También es director de Frances Ha (2012), película que me ha sido recomendada en varias ocasiones y que nombro aquí por si puede hacer las delicias de algún lector. Tres años después de su último proyecto, nos trae la adaptación de una obra de Don DeLillo, conocido por su curioso tratamiento del lenguaje, del tiempo y del espacio para construir a los personajes y desarrollar sus temas, convirtiendo sus novelas en problemáticos retos para quien se atreva a intentar adaptarlos a la pantalla. Estas dificultades parecen materializarse en la recepción de sus otras dos adaptaciones: Cosmopolis (David Cronenberg, 2012) y À jamais (Benoît Jacquot, 2016). White Noise es un monólogo reflexivo disfrazado de película con sentido nar...

Joyce Carol Oates publicó en el año 2000 su libro "Blonde", en el que, tras una exhaustiva documentación e investigación, cuenta la vida de Marilyn Monroe valiéndose de la ficción para crear una historia. Su primera adaptación vino en forma de miniserie en 2001 dirigida por la directora Joyce Chopra. Su segunda y, de momento, última adaptación viene de la mano de Andrew Dominik, director de Chopper (2000), T he Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007) y Killing Them Softly (2012). Disponemos así de dos versiones distintas de la novela y de su protagonista femenina en las que la dirección ha podido influir en el desarrollo y visión de sus personajes y de los hechos que los rodearon. Blonde (2022) se centra en la posible vida psicológica que pudo vivir Marilyn. Debido a esto, la película no trata de contextualizar al máximo detalle cada situación, sino que ofrece los elementos necesarios para sumergirnos en su caos interior, tomando decisiones arriesgada...

Lo que el viento se llevó  (Victor Fleming, 1939) es considerada para muchas personas y usuarios de internet la mejor película de la historia. Sin embargo, vista después de tantos años, es difícil ofrecerle esa condecoración porque tanto los temas como el cine y la propia sociedad han evolucionado hacia una visión más igualitaria y global. Es curioso como muchas películas antiguas muestran a la mujer como una persona fuerte, poderosa, inteligente e independiente y aun así los hombres en pantalla se dedican a ordenarle labores y a minusvalorar sus capacidades físicas e intelectuales. A ello se suma la autoconvicción de la mujer en la película de que obviamente tiene que dedicarse a esas aficiones consideradas femeninas y a realizar las labores del hogar. Lo que el viento se llevó parece intentar mostrar un cambio en esa concepción que se tenía de la mujer, pero lo dibuja de manera tan suave que ese mensaje termina por borrarse y perderse. En sus casi cuatro horas de duración, la pro...

Esta película se ha estrenado con el aparente único fin de llamar a la gente a las salas de cine y es que la experiencia en ellas es muy distinta a la que se puede tener en el salón de una casa. Estamos asistiendo a un espectáculo de música, color, edición, ritmo y talento actoral de unas proporciones sublimes que compone una cinta que cuenta las subidas, bajadas, comienzos y finales del mundialmente conocido Elvis Presley y de su entorno depredador, perjudicial y lucrativo, así como del compasivo, benévolo e inconformista. Es necesario destacar que esta cinta no se considera musical, aunque el uso del ritmo y de la música se acerca bastante a este género, pues el espectador, desde el momento en que se sienta en la butaca, se haya en un viaje musicalmente histórico que no aterriza hasta el último tercio de la película, en el que el ritmo se ralentiza por razones obvias. La historia es contada por el general Tom Parker, el mánager de Elvis Presley y supuesto villano según la prensa. La ...

Del colorido mundo musical a una dramática historia personal. Damien Chazelle cambia su registro, sin perder de vista algunos de sus toques musicales, en esta película que narra la vida de Neil Armstrong desde que es seleccionado por la NASA hasta el primer alunizaje. Esta cinta no solo evoca levemente el rasgo musical de su anterior película, sino que también evoca, y de manera más exagerada, la lentitud de su narrativa, pres ente ya en La La Land   (2016) y mejor ejecutada en aquella que en esta última. Desde el principio, la historia avanza con un ritmo digno de un canto de nana hasta que alcanza el principal acto dramático que vertebrará toda la cinta. Esta lentitud se encuentra en consonancia con la depresión por la que viaja el propio protagonista al mismo tiempo que debe enfrentarse a su vida y responsabilidad familiar y a los peligros y consecuencias de su trabajo. Además de centrarse en la vida personal de Neil, la película también cuenta todo lo que ocurrió antes de ese ...

Si bien Bruce Springsteen no es muy conocido por los jóvenes de hoy en día, sí es cierto que supuso un antes y un después en la vida de muchas personas por sus familiares letras y por su nostálgica música. El Jefe, como empezaron a llamarlo sus compañeros de banda por ejercer de líder del grupo, se convirtió en toda una estrella americana, pero se mantuvo fiel a sus orígenes y a los valores que él mismo había construido. Lo daba todo por el público y se mostraba cercano a sus fans y no por mera fachada. Él conocía de primera mano lo que era una difícil vida obrera y sus canciones transmitían ese sentimiento de pertenencia a una sociedad disconforme con su estilo de vida, que quiere huir y construir su propio camino a pesar de las consecuencias. Ese sentimiento se compensaba con el amor, que era su balanza y su luz en tiempos difíciles. No es que haya buscado mucha información sobre Bruce, pero por sus canciones puedo extraer las conclusiones arriba descritas, que perfectamente pueden e...

El terror con mensaje social sigue estando muy presente en el cine actual y se agradece el intento que muchas películas hacen en mostrar las zonas más oscuras de la vida y la sociedad a través de largometrajes de terror que logran helarte la sangre. Sin emba rgo, Antlers (Scott Cooper, 2021)  únicamente roza el mensaje que parece querer transmitir, sin llegar a profundizar demasiado en ningún aspecto, pues dicho mensaje se pierde al insertar, de manera inconexa, escenas que muestran a la criatura villana con escenas que tratan cuestiones relacionadas con el abuso, la pobreza, la crisis climática y la drogadicción, entre otras, y con la consecuencia de todas ellas en los niños y niñas que se ven envueltos en situaciones vinculadas con esas cuestiones. Por esta razón, la cinta no logra fusionar la temática social con la historia terrorífica que cuenta, surgiendo un intento de obra reflexiva que nunca llega a su punto álgido. Aun así, el ambiente aterrador que crea la criatura y los m...

Desde Avengers Endgame, sin contar las últimas de Spider-man, las decepciones ante las nuevas producciones de Marvel se siguen una tras otra. Desde las series hasta las películas, como Black Widow  (Cate Shortland, 2021) o Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos  (Destin Daniel Cretton, 2021) , todas repiten la misma fórmula que empezó a utilizarse cuando el UCM surgió. Sin embargo, después de tal cantidad de películas creadas bajo dicho patrón, los espectadores buscamos una reinvención: algo más de diversidad en un género de superhéroes que no parece evolucionar. Esto ha sido así hasta la llegada de Eternals (Chloé Zhao, 2021) , una de las mejores películas de esta nueva fase de Marvel y, posiblemente, de las que mejor cuida sus elementos narrativos y visuales de todo el UCM. Esta cinta supone un aire fresco ante la gran cantidad de películas de Marvel que parecen ser duplicados de otras películas de su mismo universo. Para empezar, la cinta nos presenta a más de diez nu...

Las películas de época suelen despertar en mi un leve rechazo similar al que me producen las películas ambientadas en la Edad Media debido al ritmo pausado que las caracteriza, a los tópicos ya sobrexplotados en la industria y a la poca originalidad de sus aportaciones. En cambio, The Favourite destaca por ir a contracorriente de la grandiosidad que este tipo de películas se dan a sí mismas mostrando una alta sociedad infame. En este sentido, la cinta se trata de una obra maestra visual y narrativa que muestra la relación entre tres mujeres muy distintas que disponen de unas cualidades, unas aspiraciones y un pasado que dejan al espectador a merced del juego de ajedrez que se representa en pantalla. Una historia hilada al más mínimo detalle que muestra a la realeza desde su perspectiva más cínica, al contrario que muchas películas y series de época. Dicho cinismo será la base sobre la que se sustentará la búsqueda del propio beneficio en cada uno de los personajes, dejando consecuenci...

En estos últimos años el cine español está ofreciendo varias producciones con temáticas, ambientes y mensajes que, para transmitirlos con la fuerza necesaria, únicamente podrían hacerse en el seno de nuestra cultura. Ese es el caso de una obra maestra de 2021 como es el El Buen Patrón  (Fernando León de Aranoa, 2021) y de la película que nos ocupa: Las Niñas . Esta cinta plantea un retrato del primer paso de la inocencia a la realidad más cercana, y quizá peligrosa, y todo lo que ello conlleva, concretándolo en la vida de una niña y su madre soltera en pleno 1992, año de los Juegos Olímpicos de Barcelona y la Exposición Universal de Sevilla. La historia es contada de manera lenta y casi insustancial de no ser por la gravedad de los temas y situaciones que trata para unos años de vida en los que las experiencias vividas son clave en la formación de nuestra personalidad. Esa casi insustancialidad viene dada por la aparente simpleza de sus escenas que parecen formar parte de un pausad...