La carrera de Ari Aster se mantiene brillante. Su última película, Beau tiene miedo (2023), muestra su faceta más creativa y alegórica, creando un ambiente de ansiedad y abatimiento perpetuo a medida que acompañamos a Beau al fondo de su alma. Con su nueva película, parecía que cambiaba de tercio y abandonaba su amado género de terror. Sin embargo, toda la película está impregnada de otro tipo de terror mucho más cercano y real. La película representa la situación social en la que se encontraba el mundo en la época del COVID, concretamente la situación ideológica, haciendo revivir al espectador esas sensaciones incómodas en las que nos vimos rodeados. La cinta se centra ya no sólo en representar sino en criticar todas las actitudes estúpidas y manipulativas que a día de hoy siguen existiendo, sirviendo no sólo como un ensayo de la visión del autor sobre EE.UU., regurgitando un odio profundo a las dinámicas políticas y sociales que se retroalimentan entre sí, sino también como una base...

Martin Scorsese conoció a Rodrigo Cortés en España. Scorsese había visto todas sus películas y ya sabía que Rodrigo era un gran admirador de su trabajo. Le dijo que le enviara el montaje de Love Gets a Room (2021) en cuanto pudiese. Dicho y hecho. La vio y se enamoró. Le pidió a Rodrigo que le enviara el próximo guion que tuviera entre manos, pero Rodrigo no lo hizo hasta que le llegó un mensaje de la oficina de Scorsese preguntando por dicho guion. Rodrigo le envió el guion de Escape . Le entusiasmó y esto hizo preguntarse a Scorsese lo mucho que le costaría hacer una película así. Y de esta manera, Martin entró como productor en la nueva película de Rodrigo Cortés, cuya última cinta ( Love Gets A Room , 2021) fue un regalo inmenso para los fans del cine y de los musicales. También nos ha regalado varias joyas más, como Red Lights (2012), Buried (2010) y Concursante (2007), así como la no tan mayúscula pero interesante Down a Dark Hall (2018). Tres años más tarde vuelve con Escape ...

No fui fan de Beetlejuice (1988) cuando la vi por primera vez hace unos años. Tampoco consiguió enamorarme la segunda vez, hace unos meses. Tampoco el musical de Broadway me encandiló, a pesar del papel espectacular que hizo Alex Brightman cada noche y de que algunas canciones tuvieran un toque muy especial e interesante que no terminaron de enamorarme. Ni hablar de la serie de animación que tampoco me entusiasmó de pequeño. Y de este universo beetlejuiciano llegamos a Beetlejuice Beetlejuice (2024), la secuela de esa historia absurda que vuelve todavía más loca y con muchísimo menos sentido. Toda película necesita una historia que la vertebre. Esta película la tiene. Una historia muy simple que, para contarla, hace muchas pausas en su camino que te distraen y desvían de ese supuesto sendero principal, en especial al presentarte numerosos personajes (con su contexto específico) cuya importancia es equivalente a su tiempo en pantalla, casi nulo. Beetlejuice Beetlejuice es una fiesta....

François Truffaut es uno de los directores franceses más reconocidos a nivel mundial y uno de los representantes del movimiento de la nouvelle vague , distanciándose del cine comercial para tratar de una manera más personal y particular temas que conectan de una manera única con el espectador a través de un original estilo visual y narrativo. Esta película pertenece a una trilogía temática centrada en la infancia compuesta por Les Quatre Cents Coups (1959), L'Enfant sauvage (1970) y la película que nos ocupa,  L'Argent de poche (1976). Bien es cierto que la primera película de esta trilogía,  Les Quatre Cents Coups (1959), pertenece a otra pentalogía conectada por el personaje de Antoine Doiniel (alter ego de Truffaut), interpretado en todas ellas por Jean-Pierre Léaud, a la que le siguen Antoine et Collete (1962), Baisers volés (1968), Domicile conjugal (1970) y L'Amour en fuite (1979). El título de esta película, L'Argent de poche , podría traducirse como ...

El director de esta película, Noah Baumbach, es también el director de la aclamada A Marriage Story (2019), en la que las poderosas y titánicas interpretaciones de Adam Driver y Scarlett Johansson dan forma a un drama muy íntimo y personal como lo es un divorcio. También es director de Frances Ha (2012), película que me ha sido recomendada en varias ocasiones y que nombro aquí por si puede hacer las delicias de algún lector. Tres años después de su último proyecto, nos trae la adaptación de una obra de Don DeLillo, conocido por su curioso tratamiento del lenguaje, del tiempo y del espacio para construir a los personajes y desarrollar sus temas, convirtiendo sus novelas en problemáticos retos para quien se atreva a intentar adaptarlos a la pantalla. Estas dificultades parecen materializarse en la recepción de sus otras dos adaptaciones: Cosmopolis (David Cronenberg, 2012) y À jamais (Benoît Jacquot, 2016). White Noise es un monólogo reflexivo disfrazado de película con sentido nar...

Alex de la Iglesia escapa de los monstruos ficticios y de la exhibición de lo visualmente asqueroso y repugnante para adentrarse en una pesadilla ambientada en el mundo real, con sus monstruos reales y sus conductas repulsivas. Cuatro personajes en un coche compartido es lo necesario para poner en marcha un mecanismo que pretende llevarlos por un camino de verdad, de descubrimiento y de realidad. Sin embargo, como en toda película de este director, el proceso nunca es sencillo. Como acostumbra Alex de la Iglesia, la historia comienza como un plácido y cotidiano sueño que poco a poco va escalando hasta convertirse en una pesadilla donde surgen sus característicos giros y planos de cámara, no tan caóticos y asfixiantes como en sus anteriores películas, usando planos no demasiados cerrados, sino más bien simpáticos con el espectador debido al carácter cómico de la cinta. De esta manera, va creando una historia en la que lo blanco y lo negro dan lugar a grises que se entremezclan y forman ...

Si bien Bruce Springsteen no es muy conocido por los jóvenes de hoy en día, sí es cierto que supuso un antes y un después en la vida de muchas personas por sus familiares letras y por su nostálgica música. El Jefe, como empezaron a llamarlo sus compañeros de banda por ejercer de líder del grupo, se convirtió en toda una estrella americana, pero se mantuvo fiel a sus orígenes y a los valores que él mismo había construido. Lo daba todo por el público y se mostraba cercano a sus fans y no por mera fachada. Él conocía de primera mano lo que era una difícil vida obrera y sus canciones transmitían ese sentimiento de pertenencia a una sociedad disconforme con su estilo de vida, que quiere huir y construir su propio camino a pesar de las consecuencias. Ese sentimiento se compensaba con el amor, que era su balanza y su luz en tiempos difíciles. No es que haya buscado mucha información sobre Bruce, pero por sus canciones puedo extraer las conclusiones arriba descritas, que perfectamente pueden e...

La comedia es el plato fuerte del cine español junto al género dramático, aunque en los últimos años la industria se está transformando, dotando de mayor calidad a nuestros largometrajes y apostando por nuevos modos narrativos. Ese podría ser el caso de Primos (Daniel Sánchez Arévalo, 2011) , una comedia española inspirada en las películas americanas y que ahonda en diferentes formas de amar y ser amado de la mano de tres primos que vuelven al pueblo donde crecieron juntos. El tema central de la cinta no solo se basa en el amor de pareja y sexual, sino también en el amor de los amigos, de la familia y de quiénes consideras familia, así como en el amor intergeneracional, el amor tóxico y el amor inexplicable, creando así una "feel good movie" (película para sentirse bien) que permite disfrutar de ella y de los conflictos a los que se enfrentan sus personajes, así como reflexionar sobre cuestiones tan humanas como las ya mencionadas: el amor, el cariño y la familia. Una pelícu...

Algunas de las últimas películas supuestamente dirigidas para toda la familia parecen haber omitido la esencia del género, convirtiéndose en pesadas historias infantilizadas que dejan de lado al público adulto, como es el caso de Dolittle (Stephen Gaghan, 2020), Enola Holmes (Harry Bradbeer, 2020), The Christmas Chronicles: Part Two ( Chris Columbus, 2020) o las dos entregas de Maleficent (Robert Stromberg, 2014; Joachim Rønning, 2019). Sin embargo, sobre ese lodazal se extiende un puente de muy buenas, e incluso sobresalientes, películas familiares que cumplen con su propósito de entretener a la familia al completo aportando también, en algunos casos, aprendizajes de gran valor. En ese último grupo ubicamos Jungle Cruise, a pesar de no estar no recomendada para menores de 12 años. Una película de acción y aventuras ambientada en 1916 y protagonizada por un trío fabuloso (Dwayne Johnson, Emily Blunt y Jack Whitehall) cuya química y capacidad interpretativa logran el disfr...

Las películas de época suelen despertar en mi un leve rechazo similar al que me producen las películas ambientadas en la Edad Media debido al ritmo pausado que las caracteriza, a los tópicos ya sobrexplotados en la industria y a la poca originalidad de sus aportaciones. En cambio, The Favourite destaca por ir a contracorriente de la grandiosidad que este tipo de películas se dan a sí mismas mostrando una alta sociedad infame. En este sentido, la cinta se trata de una obra maestra visual y narrativa que muestra la relación entre tres mujeres muy distintas que disponen de unas cualidades, unas aspiraciones y un pasado que dejan al espectador a merced del juego de ajedrez que se representa en pantalla. Una historia hilada al más mínimo detalle que muestra a la realeza desde su perspectiva más cínica, al contrario que muchas películas y series de época. Dicho cinismo será la base sobre la que se sustentará la búsqueda del propio beneficio en cada uno de los personajes, dejando consecuenci...

Las películas románticas son un género muy interesante para leer entre líneas y reflexionar sobre nosotros mismos, pero también para disfrutar y empatizar con una historia que se basa en emociones que todos sentimos y hemos sentido en algún momento y que nos gusta volver a sentir aunque sea a través de una pantalla. La historia que presenta esta película, titulada en España Así nos va , está protagonizada por un hombre mayor de carácter irascible y una mujer también mayor con intenciones amables para el resto de personas que la rodean y con talento musical para cantar. Bajo esas descripciones superficiales se esconden dos profundas historias que explican la personalidad resultante de cada personaje, es decir, las razones que mueven a ambos a ser como son, aunque se denota una falta de esencia en la construcción de los personajes, pues se ha desaprovechado una mayor exploración sobre lo que se esconde tras las exageraciones de ambos. Además, la cinta carece de un enfoque más original y...

La franquicia de Scream decide dejar su numeración tras la muerte de Wes Craven y empieza casi de cero. La película es un homenaje a, más o menos, todo lo que Wes nos ha ofrecido en las anteriores entregas y, por tanto, está llena de diversión, comedia, metalenguaje, tensión y algún que otro susto desprevenido. Esta nueva versión parece haber analizado cada una de las películas previas, creando una entrega hecha por y para fans. Sin embargo, el juego metalingüístico, propio e inseparable de la saga, dura demasiado, sobrevolando constantemente las conversaciones de los personajes. No obstante, el uso del metalenguaje es muy inteligente, pues permite diversas funciones como, por ejemplo, justificar cada decisión que la película toma, criticándose y siendo muy consciente de sí misma, así como criticar el panorama actual del género de terror, al fandom de las grandes sagas y a las secuelas nacidas para llenar aun más las arcas de los grandes estudios creando soft reboots (reinicios suaves)...

Hace tiempo que terminó la serie  Phineas y Ferb y mucho más tiempo que dejé verla pero eso no quita que no deje de disfrutar de sus geniales episodios musicales y, sobre todo, de su última película. Candace Against the Universe nos hace recordar todos esos momentos maravillosos que pasamos frente al televisor viendo Disney Channel y cantando sus canciones una y otra vez. Esta vez, han decidido repetir la fórmula que tan bien les funcionó en la primera película y vuelven a viajar fuera del planeta Tierra para vivir una nueva aventura. El humor, las canciones y los clichés no se dejan atrás y vuelven más frescos que nunca con algunas sorpresas que los verdaderos fans disfrutarán. La historia se centra en Candace y en su viaje por el universo, el cual se usa como excusa para ahondar en el verdadero viaje de la película, el que hace a través de sus sentimientos y emociones, intentando comprenderse a sí misma y sus acciones. Todo ello lleva al gran final con la canción Us Against th...

Will Ferrel no es sinónimo de calidad y más viendo su filmografía, entre la que destac a Holmes & Watson (2018), Daddy's Home (2015), Step Brother (2008), Blades of Glory (2007) y Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004). Sus bromas, la gran mayoría vacías de sentido del humor y tan tontas que son ridículas, ennegrecen el brillo que muchas de sus películas podría haber tenido. Sin embargo, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga e s muy posible que sea su mejor película hasta la fecha, pero no la mejor de Rachel McAdams, quien, esta película, actúa al nivel de su compañero. Pero no perdamos el hilo. Estamos hablando de Will Ferrell, el humorista con las bromas más infantiles y estúpidas del cine. Ante esta idea que tenía de él, no esperaba nada bueno de esta nueva película y su primera media hora confirmaba mis sospechas hasta que empezó la música y, como no, caí en sus redes. Ya he dicho varias veces que soy un gran aficionado a los musicales y esta película ...

Basado en la leyenda infantil, Storks , titulada Cigüeñas en España, cuenta la historia de como el tradicional trabajo de las cigüeñas de entregar bebés a los padres se transforma y se convierte en una empresa de envíos a domicilio de productos (al más puro estilo de empresas como Amazon o eBay ) en la que todo parece ir bien hasta que dos personajes, una cigüeña y una humana, entrecruzan sus caminos embarcándose en una cómica aventura en la que varias reflexiones sobrevuelan la pantalla. Nada más comenzar, el capitalismo, o más bien la caricatura y crítica al capitalismo, se hace presente como uno de las temas centrales de la película. En contraposición, el amor se abre como la opción que cada ser debe elegir como camino ante los perjuicios capitalistas y la maldad inherente en la sociedad. El viaje de estar cegado por el sistema hasta quitarse la venda y darse cuenta de lo verdaderamente importante se da en la cigüeña protagonista, Junior, acompañado por Tulip, una humana pelir...

Como gran admirador de los musicales que soy, me hallo en la obligación de aportar mi opinión, obviamente impopular en vista de las críticas que la película ha recibido, y me lanzo al vacío en una comunidad hostil como es la de los espectadores de la versión de Tom Hooper de Cats (2019). Para poder tener una visión completa de la nueva adaptación del musical, es necesario revisar la vanagloriada obra de teatro musical Cats (1998). En esta obra se nos presentan varios gatos, muy distintos entre ellos pero con una unión muy especial: son Jellicle cats (gatos Jellicle), adjetivo que aparece por primera vez en el libro de poesía ligera de T. S. Eliot Old Possum's Book of Practical Cats (1939), del cual Andrew Lloyd Webber (productor de 16 musicales, entre los que destacan The Phantom of the Opera ,  Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat y  Jesus Christ Superstar ) se basó para crear la obra de Cats . Para muchos una obra maestra de los musicales, para otros una...

Una fuerte brisa viene de oriente para arrasar con todo. El poderoso mensaje social que desprende esta película, llamada Parásitos en España y Gisaengchung en Corea, ha inundado las salas de todo los países, apoderándose del mundo. No es de extrañar que haya causado tanto revuelo pues no suele ocurrir que una película no americana o de habla no inglesa haya enamorado y unificado a los críticos y a los espectadores; ganadora del Oscar  a mejor película, mejor película internacional, mejor director y mejor guion original. La película nos sumerge en dos familias totalmente distintas cuya principal diferencia es la causa de su encuentro: una es muy pobre y la otra es demasiado rica. Partiendo del retrato de ambos grupos sociales, la película da pie a reflexionar sobre ambas situaciones y sobre las causas y consecuencias de esta gran diferencia. Toda esta reflexión se enmarca dentro de una historia que cada vez se vuelve más rocambolesca sin llegar a decaer en ningún momento ha...

Después de una larga espera desde la aclamada Los Odiosos Ocho  (2015), Tarantino resurge para demostrar una vez más su completo amor al cine con unos personajes algo distintos a lo que nos tiene acostumbrados y con cabida al amor hacia los personajes secundarios. Dos historias paralelas, ambas con su punto justo de protagonismo, nos guían hacia un final común en el que, una vez más, los hechos reales no siguen su recurrido habitual, al igual que hizo con Malditos Bastardos  (2009). Ese factor sorpresa, y que todos esperábamos ver de una forma u otra, consigue alzar la aparente neutra trama, pues no encontramos los grandes picos de acción típicos de Tarantino, cerrando la película con llave y guardándola en la colección de homenaje al cine de siempre. Leonardo DiCaprio, interpretando a Rick Dalton, se confirma como un monstruo de la actuación, llevando a su personaje a reflexionar y a aprender sobre su fracaso profesional, acompañado de Cliff Booth, interpretado por ...

Desde Star Wars: The Last Jedi (2017), Rian Johnson no me aspiraba confianza, sin embargo, el año pasado al fin vi la serie de Breaking Bad (2008-2013) y disfruté mucho con el episodio  Fly , uno de los mejores de toda la serie, y en agosto de ese mismo año vi con unos amigos Looper (2012), película bastante curiosa y estrambótica sobre viajes temporales. Tanto el episodio como la película están dirigidos por el director de Knives Out ( Puñales por la Espalda en España), dándome más excusas para ir a verla. A diferencia del colorido póster e intrigante trailer, Knives Out es una historia de misterio con una paleta de colores menos vivos que los vistos en las promociones de la película, lo cual hace que su primera parte se convierta en la sucesión de escenas arquetípicas de cualquier película de misterio, llegando incluso a aburrir ligeramente, pero merece la pena quedarse para llegar a lo que está por venir. Una historia de apariencia simple pero que se v...

¿Qué ocurriría si The Walking Dead se cruzara con Cantando Bajo la Lluvia ? Nacería una película absurdamente divertida para aquellos que nos encantan los musicales y el cine que no se toma demasiado en serio. Justamente esto es lo que ocurre con Anna y el Apocalipsis : una mezcla de película post-apocalíptica de zombies con película musical , ambientada en navidad e  impregnada con bastantes toques surrealistas y alguno que otro cómico. Después de haber visto la película tres veces (dos veces solo y una con mis padres), puedo concluir, sin riesgo a equivocarme, que la película se mantiene en pie gracias a sus canciones, las cuales, sin duda alguna, querrás escuchar durante los días siguientes a la visualización de la película. Al decir esto, estoy poniendo de manifiesto que la trama no es muy buena ya que se inspira directamente de las tramas de muchas películas de terror de serie B, pero el hecho de tener una trama simple permite que nos acomodemos y...