Esta sección de "Cine Paranormal" es un viaje por los distintos espíritus, entes del más allá y seres paranormales que aparecen en películas, es decir, son las historias de aquellos seres cinematográficos contadas en las propias películas y, por tanto, contiene SPOILERS (información que puede destripar una película en el caso de que no la hayas visto). Esta primera entrada de la sección la centraremos en Jane Doe, la chica misteriosa de La Autopsia de Jane Doe (2016). En esta historia ficticia, Jane Doe era una chica normal que, en 1693, fue acusada de bruja en los Juicios de Salem ( Salem Witch Trials ) en Massachusetts. Tras esta acusación, las autoridades de Salem intentaron matarla cortándole la lengua, haciéndola arder, introduciéndole una planta con efectos paralizantes, haciéndole tragar una tela con un dibujo circular en cuyo interior había uno de sus dientes,  y, posiblemente, haciéndole cortes en sus órganos. Después de pasar por el ritual, la chica no murió pues...

Han pasado ya unas semanas desde su estreno y las críticas están muy divididas. Hay quien la considera la mejor obra de Nolan y otros la peor. Incluso Michael Caine, uno de los actores predilectos de Nolan para la gran mayoría de sus películas, la considera una de las mejores película de acción de la historia. Tenet era la una de las películas más esperadas de este año y, por tanto, las expectativas estaban muy altas, tanto es así que hay espectadores que no han llegado al nivel de disfrute al que llegaron con el resto de las obras de Nolan. Unos la tachan de predecible y otros de no haber entendido nada. Desde mi punto de vista, la película es un equilibrio entre ambos aspectos, permitiéndonos atar cabos mientras la vemos y dejando otros sueltos para pensar sobre ella cuando termine. Lo mejor de Tenet , y de su director, Christopher Nolan, es que trata al espectador como un ente activo e inteligente, quien se cuestiona el funcionamiento del entramado temporal que nos presenta en sus p...

Imagina un universo en el que Superman llega a España a protagonizar varias escenas de combate. Pues eso mismo es lo que ofrece The Cold Light of Day pero sin superpoderes ni fantasía: Henry Cavill en una floja película de acción dando y recibiendo puñetazos, disparando a quien se le ponga por delante, huyendo de los malos y persiguiéndolos. Al ver a Bruce Willis y Henry Cavill juntos, lo único que puedes esperar es una buena película de mamporros y puñetazos para pasar un buen rato. Sin embargo, la cinta decae nada más empezar y el resto de la película es difícil de salvar. Un comienzo muy tranquilo que tarda en mostrarnos lo que esperamos ver y, cuando lo hace, el guion se convierte en polvo pues explica lo justo y necesario para entender la historia sin ahondar en todos los temas superficiales que abordan. Como español, me resultó raro ver todas las localizaciones madrileñas con Henry Cavill dando vueltas. La película hubiera parecido más un anuncio para atraer turistas a Madrid qu...

Hace tiempo que terminó la serie  Phineas y Ferb y mucho más tiempo que dejé verla pero eso no quita que no deje de disfrutar de sus geniales episodios musicales y, sobre todo, de su última película. Candace Against the Universe nos hace recordar todos esos momentos maravillosos que pasamos frente al televisor viendo Disney Channel y cantando sus canciones una y otra vez. Esta vez, han decidido repetir la fórmula que tan bien les funcionó en la primera película y vuelven a viajar fuera del planeta Tierra para vivir una nueva aventura. El humor, las canciones y los clichés no se dejan atrás y vuelven más frescos que nunca con algunas sorpresas que los verdaderos fans disfrutarán. La historia se centra en Candace y en su viaje por el universo, el cual se usa como excusa para ahondar en el verdadero viaje de la película, el que hace a través de sus sentimientos y emociones, intentando comprenderse a sí misma y sus acciones. Todo ello lleva al gran final con la canción Us Against th...

Will Ferrel no es sinónimo de calidad y más viendo su filmografía, entre la que destac a Holmes & Watson (2018), Daddy's Home (2015), Step Brother (2008), Blades of Glory (2007) y Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004). Sus bromas, la gran mayoría vacías de sentido del humor y tan tontas que son ridículas, ennegrecen el brillo que muchas de sus películas podría haber tenido. Sin embargo, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga e s muy posible que sea su mejor película hasta la fecha, pero no la mejor de Rachel McAdams, quien, esta película, actúa al nivel de su compañero. Pero no perdamos el hilo. Estamos hablando de Will Ferrell, el humorista con las bromas más infantiles y estúpidas del cine. Ante esta idea que tenía de él, no esperaba nada bueno de esta nueva película y su primera media hora confirmaba mis sospechas hasta que empezó la música y, como no, caí en sus redes. Ya he dicho varias veces que soy un gran aficionado a los musicales y esta película ...

En este ambiente cercano al apocalipsis vírico (como muchos cínicos lo ven), una película de miedo es la mejor medicina para salir de las noticias deprimentes y para reconfortarnos viendo como otras personas lo pasan mucho peor en un entramado ficticio terrorífico. Desde mi punto de vista, las mejores películas para evadirnos son aquellas en las que un grupo de jóvenes deben sobrevivir a un ser o entidad peligrosa de la manera más estúpida posible y, debido a ello, el slasher es mi género de terror favorito pues crea situaciones tensas y divertidas sin aires de grandeza. Countdown empieza como una película de slasher en la que un grupo de jóvenes se descarga una app en sus móviles para saber cuando van a morir, resultando que, sorprendentemente (nótese la ironía) , lo que dice la app es real. Hasta aquí la trama parece ir por buen camino excepto porque ese ambiente parecido al slasher desaparece al mostrarnos la primera muerte, pues el antagonista de esta película se acerca más a las p...

Basado en la leyenda infantil, Storks , titulada Cigüeñas en España, cuenta la historia de como el tradicional trabajo de las cigüeñas de entregar bebés a los padres se transforma y se convierte en una empresa de envíos a domicilio de productos (al más puro estilo de empresas como Amazon o eBay ) en la que todo parece ir bien hasta que dos personajes, una cigüeña y una humana, entrecruzan sus caminos embarcándose en una cómica aventura en la que varias reflexiones sobrevuelan la pantalla. Nada más comenzar, el capitalismo, o más bien la caricatura y crítica al capitalismo, se hace presente como uno de las temas centrales de la película. En contraposición, el amor se abre como la opción que cada ser debe elegir como camino ante los perjuicios capitalistas y la maldad inherente en la sociedad. El viaje de estar cegado por el sistema hasta quitarse la venda y darse cuenta de lo verdaderamente importante se da en la cigüeña protagonista, Junior, acompañado por Tulip, una humana pelir...

Algo a cambio de algo. Gretel & Hansel inventa un universo propio para dar vida a una historia algo alejada de la original en la que la oscuridad toma terreno para expandirse por el ya conocido cuento de los hermanos Grimm. Y como todo cuento, hay una moraleja. El ambiente tenebroso parece extraído directamente de la ya película de culto The Witch (Robert Eggers, 2015), otro genial cuento que toma como base las leyendas inglesas del siglo XVII. Gretel & Hansel toman el testigo y nos adentran en otro cuento de brujas que cumple su función de inquietar al espectador. Como toda película que cuenta una historia conocida, esperamos que nos sorprenda de algún modo y eso mismo lo tuvo presente el director al usar el conocimiento previo de la cultura popular para darle unos giros y pinceladas por aquí y por allá. La trama, al igual que el cuento, se basa en que si algo es demasiado bueno para ser real, es posible que haya gato encerrado. Todo lo que se nos da es a...

¿Cómo sería de sencillo que alguien desconocido entrara en tu casa con tu permiso? Está claro que no dejaríamos entrar a ningún extraño pero si las circunstancias llevaran a lo inesperado, el desconocido entraría tan fácil como cualquier amigo. El terror sube de nivel en este remake de su homónima Funny Games (1997), ambas realizadas por el mismo director con tres grandes diferencias: el director de fotografía, el reparto y el idioma. Toma por toma es idéntica a la anterior película, así como el guion, lo cual es un aspecto curioso porque ¿qué razón debe haber detrás de realizar la misma película pero en inglés, en vez de en alemán, y con actores reconocidos? La repuesta lógica alude a sólo una persona: el espectador. No quisiera destripar ninguna sorpresa de la película así que no haré mención directa de lo que ofrece. Funny Games permite al espectador entrar en sus divertidos juegos, pero no es lo mismo entrar en un juego cuando entiendes el idioma que cuando no. Al ser ...

Como gran admirador de los musicales que soy, me hallo en la obligación de aportar mi opinión, obviamente impopular en vista de las críticas que la película ha recibido, y me lanzo al vacío en una comunidad hostil como es la de los espectadores de la versión de Tom Hooper de Cats (2019). Para poder tener una visión completa de la nueva adaptación del musical, es necesario revisar la vanagloriada obra de teatro musical Cats (1998). En esta obra se nos presentan varios gatos, muy distintos entre ellos pero con una unión muy especial: son Jellicle cats (gatos Jellicle), adjetivo que aparece por primera vez en el libro de poesía ligera de T. S. Eliot Old Possum's Book of Practical Cats (1939), del cual Andrew Lloyd Webber (productor de 16 musicales, entre los que destacan The Phantom of the Opera ,  Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat y  Jesus Christ Superstar ) se basó para crear la obra de Cats . Para muchos una obra maestra de los musicales, para otros una...

De la claridad del cielo a la oscuridad del mar, The Lighthouse ( El Faro en España) nos cuenta la historia de dos fareros (Willem Dafoe y Robert Pattinson) que deben mantener el faro de una isla remota conviviendo entre ellos durante cuatro semanas, tiempo en el que la mente de ambos parece ir perdiendo lucidez. El blanco y el negro son los protagonistas de esta trama en la que la realidad se va estrujando, dando paso a algo ciertamente curioso que va ensuciando la claridad del planteamiento inicial. Todo este proceso va acompañado de música, sonidos, planos y escenas que abogan por el agobio y la intensa incomodidad. La película parece un teatro en el que la potencia interpretativa de los actores da vida y color a las dudas, pensamientos y diálogos de una historia mítica reinterpretada, alejada de su origen inicial e influenciada por otras numerosas historias de su propio género.

El discurso del rey se convirtió el año de su estreno en una de las primeras películas en mostrar a la tartamudez como personaje protagonista y a todo lo que ella supone. Todo llevado a cabo con una sensibilidad magistral y de una manera sorprendentemente realista. Podría haber sido la historia de un joven normal y corriente que tartamudea y lo pasa realmente mal cuando acude a clase y que tiene grandes aspiraciones que parecen verse obstaculizadas por su dificultad al hablar. Sin embargo, la historia se centra en un príncipe con tartamudez que se ve obligado a hablar en público, y más aún cuando se encuentra ante la situación de convertirse en el próximo rey de Reino Unido. Ambas historias, aparentemente distintas, comparten protagonista y se funden en una sola historia: la aceptación y superación de la tartamudez. No existe una receta mágica para abordar el problema. Cada persona tiene sus propias circunstancias y motivaciones y no todas afrontan la tartamudez de la misma...

En 2001 comenzó la primera parte de una aventura épica que a día de hoy sigue presente en la cultura mundial: la trilogía de El Señor de los Anillos . El mundo de Tolkien cobró vida de la mano de uno de los directores que marcó un antes y después en el cine y en la vida de muchas personas. Sin embargo, en 2012 pareció tropezar con la trilogía de El Hobbit , según opinan algunas personas cercanas a mi, aunque mi juicio difiere al respecto. En esta primera película se empieza a explicar el origen de todo y se nos presentan a los personajes que nos acompañarán en nuestro corazones durante el resto de nuestras vidas. La trama comienza en Hobbiton , el hogar de los hobbits donde el espectador se siente como en casa cada vez que su original melodía se entona, y tras presentarse el pasado y presente del Anillo Único, protagonista esencial de esta trilogía, empieza la aventura de Frodo en búsqueda de la destrucción del anillo para acabar con el mal que asola a la Tierra Media . El d...

Acostumbrados a consumir historias alejadas de la realidad que, de un modo u otro, tratan temas cercanos, Viaje al cuarto de una madre nos cuenta una historia muy realista que cada vez se va haciendo más y más real. Una historia que podía fácilmente caer en el aburrimiento del espectador y, sin embargo, nos mantiene interesados. La película se centra en la relación entre una madre y una hija y, como es natural, la hija debe volar y la madre debe enfrentarse a esa realidad. Una historia sobre la búsqueda de la madurez y la superación de pequeñas etapas de la vida que se presentan sin avisar; un viaje que abraza al corazón y lo llena de calor. Ternura y amor es lo que rezuma esta película, mostrando el lado más humano de la familia y del ser, mientras, inconscientemente, te sientes vulnerable recordando a tu figura materna y pensando en el vínculo tan fuerte y real que os une.

Las películas de guerra inundan cada año las salas de cine y suelen entretener a la mayoría del público de manera más o menos satisfactoria. 1917 se presenta derribando al resto de sus contendientes de su mismo género y alzándose victoriosa haciendo uso de uno de los mejores recursos visuales, como es el plano secuencia, que, habiéndose llevado apropiada y delicadamente, ha permitido a Sam Mendes lucirse como uno de los directores más sorprendentes y sobresalientes de este último año. Gracias al aparente plano secuencia utilizado en toda la película, logramos sumergirnos en un ambiente de tensión, peligro y desconfianza como lo fue la Primera Guerra Mundial. La acción va aumentando e intensificándose a cada paso que dan los protagonistas, siempre sumando e impresionando, muy pocas veces disminuyendo y nunca apaciguándose. Concretamente, una escena cuenta con un juego de luces y sombras que corta el aliento. En una película de este género y rodada de esta manera, la fotograf...

Una fuerte brisa viene de oriente para arrasar con todo. El poderoso mensaje social que desprende esta película, llamada Parásitos en España y Gisaengchung en Corea, ha inundado las salas de todo los países, apoderándose del mundo. No es de extrañar que haya causado tanto revuelo pues no suele ocurrir que una película no americana o de habla no inglesa haya enamorado y unificado a los críticos y a los espectadores; ganadora del Oscar  a mejor película, mejor película internacional, mejor director y mejor guion original. La película nos sumerge en dos familias totalmente distintas cuya principal diferencia es la causa de su encuentro: una es muy pobre y la otra es demasiado rica. Partiendo del retrato de ambos grupos sociales, la película da pie a reflexionar sobre ambas situaciones y sobre las causas y consecuencias de esta gran diferencia. Toda esta reflexión se enmarca dentro de una historia que cada vez se vuelve más rocambolesca sin llegar a decaer en ningún momento ha...

Después de una larga espera desde la aclamada Los Odiosos Ocho  (2015), Tarantino resurge para demostrar una vez más su completo amor al cine con unos personajes algo distintos a lo que nos tiene acostumbrados y con cabida al amor hacia los personajes secundarios. Dos historias paralelas, ambas con su punto justo de protagonismo, nos guían hacia un final común en el que, una vez más, los hechos reales no siguen su recurrido habitual, al igual que hizo con Malditos Bastardos  (2009). Ese factor sorpresa, y que todos esperábamos ver de una forma u otra, consigue alzar la aparente neutra trama, pues no encontramos los grandes picos de acción típicos de Tarantino, cerrando la película con llave y guardándola en la colección de homenaje al cine de siempre. Leonardo DiCaprio, interpretando a Rick Dalton, se confirma como un monstruo de la actuación, llevando a su personaje a reflexionar y a aprender sobre su fracaso profesional, acompañado de Cliff Booth, interpretado por ...

Desde Star Wars: The Last Jedi (2017), Rian Johnson no me aspiraba confianza, sin embargo, el año pasado al fin vi la serie de Breaking Bad (2008-2013) y disfruté mucho con el episodio  Fly , uno de los mejores de toda la serie, y en agosto de ese mismo año vi con unos amigos Looper (2012), película bastante curiosa y estrambótica sobre viajes temporales. Tanto el episodio como la película están dirigidos por el director de Knives Out ( Puñales por la Espalda en España), dándome más excusas para ir a verla. A diferencia del colorido póster e intrigante trailer, Knives Out es una historia de misterio con una paleta de colores menos vivos que los vistos en las promociones de la película, lo cual hace que su primera parte se convierta en la sucesión de escenas arquetípicas de cualquier película de misterio, llegando incluso a aburrir ligeramente, pero merece la pena quedarse para llegar a lo que está por venir. Una historia de apariencia simple pero que se v...